29/2/16

El Quattrocento italiano (siglo XV)



Cúpula del Duomo, Brunelleschi, Florencia

2 Tema.- El Quattrocento italiano. Arquitectura: Brunelleschi y Alberti. Escultura: Donatello y Ghiberti. Pintura: Fra Angélico, Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli.
Estudia estas  presentaciones.
 La 1ª parte explica las características de la arquitectura del Quattrocento italiano y la 2ª se detiene en las principales obras de Brunelleschi y Alberti.
 


Escultura del Quattrocento Italiano: Donatello y Ghiberti

Escultura del Quattrocento from Elena 

Pintura del Quattocento Italiano: 


Fra Angélico, Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli (visita el Museo de los Uffizi, Florencia, una de las pinacotecas más importantes del Mundo)



 

El Renacimiento: Introducción



                               


VÍDEO YOUTUBE "La Florencia de los Medicis" Artehistoria.



28/2/16

Tema 10.- Arte del Renacimiento y del Manierismo. Orientaciones PAU

TEMAS

1.- Introducción al Renacimiento.
2.- El Quattrocento italiano. 
     2.1.-Arquitectura: Brunelleschi y Alberti.
     2.2.- Escultura: Donatello y Ghiberti.  
     2.3.-Pintura: Fra Angélico, Masaccio, Piero della        Francesca y Botticelli.
3.- El Cinquecento y la crisis del Manierismo en Italia. 
  3.1.-Arquitectura: Bramante, Miguel Ángel y Palladio. 
  3.2.-Escultura: Miguel Ángel. 
  3.3.-Pintura: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. La escuela veneciana.
4.- España.
   4.1.- Arquitectura: del Plateresco al Escorial.
  4.-2.- Escultura: los primeros imagineros: Berruguete y Juni.
  4.3.- Pintura: El Greco.

 

DIRECTRICES PAU

El Renacimiento italiano representa una etapa decisiva en el desarrollo de la civilización occidental. 
Su nacimiento en los albores del siglo XV (el "Quattrocento" o Renacimiento temprano) y el excepcional esplendor que conseguirá en el siglo XVI (el "Cinquecento": alto Renacimiento hasta 1520, fecha de la muerte de Rafael, y Manierismo posteriormente) contribuyeron a la transición entre la Europa medieval y la Edad Moderna.
Este período de investigación y plenitud creadora bastó para forjar en el terreno de las artes un sistema de representación, que perduraría intacto hasta fines del siglo XIX.


Explicar la aparición del humanismo y el sentido antropocéntrico del arte en las "cortes" italianas del siglo XV, donde los artistas combinaron las impresiones ópticas del mundo visible con un sentido de estructura interior, que derivó, tras múltiples indagaciones, a la esfera de la teoría de las proporciones, la perspectiva y la anatomía.


En el terreno arquitectónico fue donde mejor se observa el resurgir de los motivos clásicos y su adaptación a las necesidades contemporáneas. Analizar la armonía y dignidad de estas estructuras a partir de los logros conseguidos por Brunelleschi en Florencia y Alberti en Mantua.
La recuperación de los valores clásicos en la figura y en el relieve se estudian en los relieves de Ghiberti para las puertas del Baptisterio de la Catedral de Florencia. Conviene señalar la personalidad de Donatello, sus aportes a la técnica escultórica y la importancia de la escultura ecuestre en el Renacimiento.

Con respecto a la pintura, Fra Angélico permite estudiar el intimismo religioso y avances técnicos como la perspectiva lineal, el sentido del dibujo y el color en la pintura renacentista. Asimismo, apuntar la gravedad psicológica de Masaccio y su plasticidad; el uso de la luz como elemento expresivo en Piero della Francesca, y el dibujo ondulante y nervioso de Botticelli.

El siglo XVI italiano contempla la "época de los genios". Pero la belleza emanada del equilibrio entre efectos ópticos y estructuras, la síntesis entre lo clásico y lo cristiano comienza a disolverse, dando paso, por la reiteración de tipos y patrones ya establecidos, a la complacencia en el equívoco manierista. Es entonces cuando las nítidas composiciones piramidales, las proporciones naturales y graciosos ademanes son sustituidos por composiciones nerviosas, carentes de espacios y atestadas por imágenes turbulentas, artificialmente alargadas y, a veces, arbitrariamente color
eadas, donde triunfa la "figura serpentinata''. 


Examinar los logros arquitectónicos del periodo a través de los edificios de Bramante, Miguel Ángel y Palladio.
Exponer el valor de la escultura de Miguel Ángel y la evolución de su estilo mediante la consideración de sus principales obras.
Respecto a la pintura poner especial énfasis en la obra de los grandes maestros, advirtiendo las diferencias entre el diseño romano y la pintura colorista de la escuela veneciana, ejemplarizada en Tiziano.
Por lo que respecta al siglo XVI español, profundizar en sus tendencias arquitectónicas: el plateresco, el purismo y el clasicismo herreriano. Estudiar la imaginería cristiana del período a través de Berruguete y Juni, y resumir la actividad pictórica en la figura del Greco.


25/2/16

Van Gogh y las Noches Estrelladas en la Ser con Miquel del Pozo y Carles Francino

Terraza de Café de Arlé. Kröller-Müller Museum. Holanda

Hoy, Miquel del Pozo, ha vuelto a la Ser y a la Ventana de Carles Francino. El programa se ha dedicado a Van Gogh.






Noche Estrellada, MOMA. NY


Noche estrellada sobre el Ródano. Museo de Orsay
Vídeo con  obras de Van Gogh y la canción Starry Strarry Nigth de Don McLean. (Letra traducida parte inferior)



Letra

Estrellada, estrellada noche,
pinta tu paleta azul y gris
escrutando un día de verano
con ojos que conocen la oscuridad que hay en mi alma.

Sombras en las colinas,
esboza los árboles y los narcisos,
plasma la brisa y el helado viento
con los colores del nevado suelo de lino.

Ahora entiendo lo que trataste de decirme,

y cómo sufriste por tu cordura,
y cómo trataste de liberarlos.
No te oyeron, no supieron cómo.
Tal vez te oirían ahora.

Estrellada, estrellada noche,
llameantes flores que brillan y se iluminan
nubes espiradas con un haz violeta
se reflejan en los claros ojos azulados de Vincent.

Colores cambiando de matiz,
campos matutinos de granos dorados,
rostros ensombrecidos por el sol, arrugados de dolor,
son suavizados por la amorosa mano del artista.

Ahora entiendo lo que trataste de decirme,

y cómo sufriste por tu cordura,
y cómo trataste de liberarlos.
No te oyeron, no supieron cómo.

Tal vez te oirían ahora.

Aunque no podían amarte,
tú los amabas sinceramente.
Y cuando no quedó esperanza
en esa estrellada, estrellada noche,
te quitaste la vida, tal como los amantes suelen hacerlo;
Pero pude haberte dicho, Vincent,
que este mundo nunca fue hecho para alguien tan hermoso como tú.

Estrellada, estrellada noche,
cuadros colgados en pasillos vacíos,
cabezas sin cuerpo en muros sin nombres,
con ojos que miran el mundo y no pueden olvidar.

Como el extraño que te has encontrado,
el harapiento hombre en harapientas ropas,
la espina de plata de la sangrienta rosa
yace aplastada y rota en la pulcra nieve.

Ahora entiendo lo que trataste de decirme,

y cómo sufriste por tu cordura, 
y cómo trataste de liberarlos.
No te oyeron, todavía siguen sin oír.

Tal vez nuca lo harán.






24/2/16

Tema 8:-La economía en el periodo de entreguerras (1918-1939)



Periodos  de la economía en el periodo de entreguerras.


La economía al finalizar la 1ª Guerra Mundial: hegemonía de EEUU

 Los Felices años 20

Escucha atentamente los vídeos "Felices años 20" y "Los Locos años 20"; resume las ideas principales.
                                          





Carteles. Argumenta por qué representa a los Felices Años 20.




Busca información. Escribe las características y diferencias entre: Taylorismo, Fordismo y Toyismo.

Estudia el tema con la siguiente presentación. Del Crack de 29 a la Gran Depresión de los años 30
                               
                            EconomíA De Entreguerras from Alfredo Rivero Rodríguez

Vídeo que explica las causas de la Gran Depresión.

  Las soluciones a la crisis. Roosvelt y el New Deal (enlace del vídeo)

  Breve vídeo sobre  Keynes y el New Deal
             



23/2/16

Análisis y comentario del Políptico "Adoración del Cordero Místico"


ABIERTO


Consulta  los siguientes enlaces.
Artehistoria
Arte Torreherberos


IDENTIFICACIÓN
Obra: políptico. Pintura  sobre tabla
Temática: religiosa. La Adoración del Cordero Místico.
Soporte y técnica: óleo sobre 12 tablas.
Localización: Catedral de Gante (Bélgica)Autor: Los hermanos Van Eyck (Jan Van Eyck y Hubert)
Cronología: 1426-1432. Siglo XV
Obra: Adoración del cordero místico o el altar  de Gante
Estilo: Gótico. Escuela Primitivos flamencos


Análisis formal
 Obra de gran complejidad religiosa. 
  • El tema principal (parte central de la tabla) es la adoración del cordero místico según el texto sagrado del Apocalípsis de San Juan.
  • Dios padre rodeado de la Virgen y San Juan Bautista se sitúan en la parte superior, (mundo celestial), a ambos lados aparecen Adán y Eva, como símbolos del pecado original. 
  • En la parte inferior, el mundo terrenal
  • Reverso del políptico (las tablas que lo cierran) se representa la Anunciación de la Virgen y a los donantes que encargaron la obra.

Esta tabla está en la Catedral de San Bavón en Gante (Bélgica) y se considera la obra más importante de Jan Van Eyck, pintor flamenco del siglo XV.

Fue un encargo de un rico burgués para decorar una capilla privada de la catedral, algo muy usual en la época. Actualmente, se sitúa en una nave trasera fuera de su emplazamiento original, lo que resta cierta fuerza al conjunto aunque gana en visualización para el espectador.

ANÁLISIS
La forma de representación es un político, es decir un retablo formado por un conjunto de tablas superpuestas cada una con una escena independiente. Este tipo de obra se colocaban en el altar y solía estar cerrado, por lo que también se pintaban las escenas posteriores que quedaban a la vista en ese momento. Sólo en época de festividades se abría para contemplar las escenas principales. Se pueden diferenciar varias partes cada una de gran valor simbólico y artístico: 
Escena inferior central: Adoración del Cordero Místico (Eucaristía) (1). Da nombre a la obra. El cordero místico, símbolo de Cristo aparece en el centro de un prado de un intenso color verde, está rodeado de ángeles y arcángeles, los bienaventurados, las santas mártires y los padres de la iglesia que viene a adorarlo. Su sangre se recoge en la copa sagrada, que luego se conoce como Santo Grial. 

Más abajo, en el centro, Van Eyck representa la fuente de la vida que sirve para dividir la escena en dos partes simétricas y ayudan al espectador a observar el tema principal gracia a los puntos de fuga. La línea del horizonte es alta y la perspectiva es muy profunda. A pesar de detallismo de los elementos representados, en realidad no estamos ante un paisaje real sino idealizado.Las tablas laterales representan a los Ermitaños (4) y peregrinos (5), los Caballeros de Cristo (3) y los Jueces Justos (2) (éste último panel fue robado en 1934 y el actual es una copia 







3.-Escena superior central: Dios padre rodeado de la Virgen y San Juan Bautista. Este tipo de representación se denomina Deésis, en ella Dios aparece sentado en un trono, algo poco habitual, con gran detalle en sus vestimentas y adornos. Las figuras destacan por su monumentalidad respecto a las demás, prevalece el dorado de los fondos y sus rostros hieráticos le dan mayor aspecto sagrado (algunos críticos consideran que estas figuras fueron realizadas por Hubert Van Eyck). 
A ambos lados aparecen angéles y arcángeles cantores, que tocan instrumentos con gran realismo y para terminar la escena, aparecen Adán y Eva (a izquierda y derecha) ambos símbolos del pecado universal del hombre que desnudos recuerdan el valor del sacrificio de Cristo. Justo encima de esas tablas, pintados en grisalla como parte de la decoración arquitectónica de la tabla (lunetos) e imitando un bajorrelieve están la Ofrenda de Caín y Abel y La muerte de Caín.

Deésis












Cuando el políptico está cerrado las escenas que podemos ver son las siguientes:






Parte central: Anunciación (5) con escena central de arcos geminados y vista panorámica de la ciudad de Gante
Parte superior: Las Sibilas de Eirtrea y Cumas (2 y 3)
Lunetos: profetas Zacarías y Miqueas (1 y 4) asomados sobre la escena principal
Parte inferior: Los donates Joos Vyd (6) y su esposa, Isabelle Borluut (6) y en el centro, imitando sendas esculturas las figuras de San Juan Bautista y San Juan Evangelista (7 y 8) siendo ésta una de las partes más novedosas del político.

Todos los detalles de la obra están pintados con amplio detallismo, gracias al trabajo del óleo (pintura mezclada con aceite) de intenso cromatismo. La temática es muy del gusto de la época, llena de simbolismo religioso propio del la pintura religiosa flamenca del momento.
Las tablas que componen el político crean un relato biblico de la redención humana a través del sacrificio de la sangre de Cristo.

Texto elaborado por: Geohistoria
Fuentes:
Manual "Historia del Arte" VV.AA (Jose Antonio Ramírez) Editorial SM
Imágenes Wikipedia (Creative Commons)






El Descendimiento. Rogier van der Weyden

Obra comentada. Museo del Prado

El Bosco. El Jardín de las Delicias.


Otros ojos para ver el Prado:El jardín de las delicias, El Bosco. Pintor flamenco.

Matrimonio Arnolfini. J Van Eyck. Comentario

   
Comentario realizado a partir de la información del Blog ENSEÑ-ARTE

IDENTIFICACIÓN
Obra: pintura. Retrato burgués. Escena de interior.
Tema: representa el rito nupcia. El Matrinonio Arnolfini formado por Juan de Arnolfini y
Juana de Cenani,
Técnica y soporte: óleo sobre tabla de roble aplicado a pincel.  Medidas: 82 x 60 cm.
Localización: actualmente National Gallery de Londres
Autor: Jan Van Eyck (1390-1441)
Cronología: 1434, siglo XV.
Estilo: Arte Gótico. Escuela de los Primitivos Flamencos
ANÁLISIS
DESCRIPCIÓN: El famosos cuadro de los Arnolfini nos presenta a la pareja de ricos burgueses en el momento de contraer matrimonio. Ambos personajes, retratados en primer plano, se sitúan en una estancia con suelo de madera, e iluminada por una ventana que se abre a la izquierda. La habitación y la composición está llena de detalles simbólicos muy del gusto de los primitivos flamencos.
Giovanni Arnolfini aparece retratado en actitud seria, ricamente ataviado en color oscuro, con capa y amplio sombrero. Su mano derecha, levantada, parece jurar o bendecir, mientras la izquierda sostiene la de su esposa Giovanna, también ricamente vestida en color verde vivo, con velo blanco. Su abultado vientre, La riqueza de su vestuario plasma la opulencia económica de los Arnolfini sobre el que apoya su otra mano, parece manifestar con claridad que se encuentra embarazada.
Una suave luz envuelve la escena, dando de lleno en el rostro femenino, mientras se atenúa en torno al del mercader.

Análisis simbólico:


El cuadro de los Arnolfini ha originado una gran controversia entre los historiadores del arte, por la gran cantidad de elementos simbólicos que incluye y la dificultad de interpretación de algunos de ellos, hasta el punto de que los especialistas debaten si la obra contiene realmente la escena de la celebración de un matrimonio, siendo como una especie de acta del mismo. Entre los elementos simbólicos, destacan los siguientes:

  
  • Algunos de los objetos que figuran el el cuadro, así como la propia ambientación de la escena, aluden a la riqueza del mercader Arnolfini: la ropa, el mobiliario, la alfombra, la decoración de la estancia o la presencia de naranjas junto a la ventana lo que, dada su procedencia del sur de Europa, puede considerarse un verdadero lujo en la Flandes del siglo XV. 
  • Los dos pares de zuecos (los de ella, junto a la cama; los de él, en primer plano, a la izquierda) relacionan a los esposos con el hogar, con la intimidad. 
  • Los colores predominantes son también claramente simbólicos: mientras el verde alude a la fertilidad, el rojo lo hace a la pasión. 
  • El perro es una alusión a la fidelidad dentro del matrimonio. 
  • La lámpara, en la cual sólo encontramos una vela encendida es una clara referencia a Jesucristo y, al mismo tiempo, viene a representar también la llama del amor, 
  • Los rosarios, situados a la izquierda del espejo, aluden a la fe en la oración. 
  • El espejo,tiene gran protagonismo y va a serr un elemento recurrente en la pintura, muestra la escena de la habitación desde una perspectiva inversa, pudiéndose apreciar la parte trasera de la pareja, así como la presencia de otras dos personas, las cuales podrían asistir como testigos. Por tanto, el espejo contendría el elemento esencial para identificar correctamente la escena representada: un enlace matrimonial en presencia de testigos, uno de los cuales podría ser el propio pintor. 
  • Sobre el espejo hay  una inscripción en latín, en caracteres góticos, con el siguiente texto: "Johanes de Eyck fuit hic, 1434" (Jan van Eyck estuvo aquí, 1434). Lo que nos permite deducir la autoría, la fecha y posiblemente que el pintor fue testigo del enlace.
  • Tanto la borla que cuelga de la cama como el abultado vientre de Giovanna son claras alusiones a la fertilidad. 
  • La obra también refleja el contexto histórico y los cambios sociales de la época y de las ciudades flamencas: Giovanni Arnolfini fue un rico mercader italiano, procedente de Lucca, que se asentó en la ciudad de Brujas (Flandes) atraído por las posibilidades comerciales de la zona, en la que logró una extraordinaria fortuna, de la cual el cuadro que comentamos en buen reflejo. Los objetos representados son, en si mismos, exponentes de las extensas relaciones geográficas de su propietario. Este es, precisamente, el contexto en el que se desarrolla la pintura de los artistas denominados "primitivos flamencos", de los cuales van Eyck es el máximo exponente: una burguesía consolidada, próspera en los negocios, atraída por la moda de la decoración de interiores mediante tapices y, como en este caso, cuadros, entre los cuales los retratos ocupan un importante papel.
                        
Análisis técnico el cuadro reúne las características pictóricas de los primitivos flamencos:

  • Preocupación por representar el espacio, la profundidad y la perspectiva (suelo, líneas de fuga, detalles secundarios, ventana lateral)
  • Representación de la corporidad y el volumen a través de las vestimentas y la riqueza cromática
  • Dominio del color sobre el dibujo. Un color rico y complementario
  • Estudio de la luz y utilización de las sombras para dar más profundidad y acentuar el simbolismo.
  • Utilización del óleo como pigmento logrando un acabado más rico, lleno de matices y calidad de los materiales.
  • El carácter narrativo de la escena.
  • El detallismo y minuciosidad de los elementos secundarios.
  • Pintura que responde a los nuevos gustos, de caballete, realizada para decorar el interior de las casas de los burgueses.
 COMENTARIO
La pintura en el estilo gótico alcanza gran protagonismo y anuncia el Renacimiento. Hay dos focos geográficos, el primero se inicia en el siglo XIV, en las ciudades italianas, destacando la escuela de Siena (Simone Martini) y la de Florencia (Giotto). El 2º foco surge en las ciudades flamencas durante el siglo XV. A esta escuela pertenece el Matrimonio Arnolfini. Aquí aparece un elenco de pintores de gran valía como  Roger Van Der Weyden, pintor del Descendimiento. El Bosco con El Jardín de las Delicias o El Carro del Heno. 
A esta escuela pertenece J Van Eyck y su hermano Huberto, que colabora en varias obras como el Políptico del Cordero Místico. Los Van Eyck desarrollan una amplia producción, sobre todo Jan, tanto de temática religiosa como la Virgen y el niño leyendo, la Virgen del  canónigo van der Paele o retratos de la época como el hombre del turbante rojo.
Van Eyck es considerado como el mejor representante de esta escuela de primitivos flamencos y, durante mucho tiempo se pensó que había sido él quien inventó la técnica de la pintura al óleo. Hoy se cree más bien que la perfeccionó, de manera que su pincelada, de secado más lento, le permitía representar con mayor exactitud las figuras de sus cuadros. De este modo, esta pequeña obra es una síntesis de todas las características de la escuela: minuciosidad, interés por el color, naturalismo y estudio de la perspectiva.
Finalmente, la colocación del espejo en el fondo de la escena supone una verdadera innovación en el mundo de la pintura, pensándose que esta obra influyó decisivamente en otros cuadros que emplean el mismo recurso, como ocurre en las Meninas deVelázquez.


 Consulta la  página del museo, Nacional Galery.
















22/2/16

Los Primitivos Flamencos. Los Van Eyck

El hombre del turbante rojo. J van Eyck

CONSEJOS PAU
Sobre el arte flamenco explicar la técnica del aceite secante y el procedimiento de las"veladuras" a través de los hermanos Van Eyck.

   


La escuela de los primitivos flamencos surge en el siglo XV, en las ciudades de Flandes (actual Bélgica). Coincide con el auge económico de ciudades como Brujas, Gante e Iprés con un gran dinamismo comercial y una floreciente industria textil. En estas ciudades viven banqueros, comerciantes y artesanos que se enriquecen.


  • Los artistas tienen como clientes al nuevo grupo social, la burguesía que adquiere obras de arte para resaltar su posición. 
  • Se trata de una pintura realista, de la vida cotidiana, concebida para ser expuestas en las viviendas de los compradores, por lo que adquieren relevancia los retratos. 
  • Se busca el Naturalismo, los primitivos flamencos tienen preferencia por la representación detallista y minuciosa de los objetos y de las calidades de los mismos. 
  • Adquiere gran importancia el paisaje. En las escenas interiores siempre hay ventanas que nos muestran el paisaje exterior. 
  • Es una pintura tridimensional con perspectiva de punto de vista alto. 
  • Dan prioridad al color sobre el dibujo. 
  • Se emplea el óleo sobre tabla (en vez del temple). Los primitivos flamencos perfeccionan el óleo de tal manera que a partir de este momento los artistas de todos los tiempos lo han preferido como técnica de pintura. La pintura al óleo tarda más en secarse. También facilita las transparencias, los reflejos, la atmósfera y los efectos de luz-sombra. Por otro lado, genera colores más vivos, brillantes y esmaltados. 
  • La pintura está bajo el cuidado gremial que vela por su alta calidad y por los beneficios obtenidos. 

La Escuela de los Primitivos Flamencos introduce novedades en la técnica y el empleo del óleo:
  • Se produce un avance en el color con las "preladuras". Las preladuras son diferentes capas de un mismo color, que causan sensación de profundidad. Esto permite, por ejemplo, en las pinturas de espacios exteriores, que el cielo de sensación de transparencia. 
  • Los hermanos Van Eyck introducen también una novedad: el elemento secativo. Se trata de un barniz de rápido secado que se pone sobre la pintura para que ésta brille y se mantenga mejor. 
  • La imprimación. Se cubre la tabla antes de pintar con una mezcla de estuco y cola animal que hace que el soporte sea de un blanco esmaltado. Provoca un efecto refractario que hace que la pintura sea más luminosa. 
Los temas elegidos en la pintura flamenca primitiva son:
    • Temas religiosos, pero normalmente tratados de forma familiar. 
    • Paisajes. 
    • Retratos, que son sobre todo de personajes de la burguesía. Son muy realistas. Primero aparecen retratados como donantes en los cuadros de temática religiosa (arrodillados y en posición de orante). Después, serán retratos individuales.
Los hermanos Van Eyck, Humberto y sobre todo Juan, reflejan en su pintura esta nueva corriente y responden perfectamente a la demanda de sus clientes. Juan Van Eyck trabaja para el duque de Borgoña como embajador, viaja a la Península Ibérica.
Las obras maestras que pinta son:
  • El Políptico del Cordero Místico costeado por el matrimonio Borluur que aparecen arrodillados cuando la obra está cerrada. 
  • El Matrimonio Arnolfini, cuadro de interior que representa el rito nupcial que le encarga el banquero Arnolfini. 
  • La Virgen del canciller Rolin, moderno retrato de un tema religioso con los personajes- clientes dentro del cuadro. 
  • La Virgen del canónigo van der Per.
Van Eyck influirá en otros pintores flamencos como Roger van der Weyden - representante de temas dramáticos como el Descendimiento (Museo del Prado)- o el simbólico y satírico J Bosco con obras como El Jardín de las Delicias (Museo del Prado). Su fama se extiende por toda Europa. Influirá en los pintores españoles como Jaime Huguet y Luis Dalmau en su obra la Virgen dels Consellers. En la Corona de Castilla; Bartolmé Bermejo y Fernando Gallego.



21/2/16

Pintura gótica, Simone Martini: "La Anunciación"




La Anunciación.
Simone Martini
Galería Ufizzi. Florencia
1333
Identificación
Tipo de obra: pintura religiosa. Tríptico.
Soporte y técnica: madera, pintura al temple sobre tabla.
Obra: La Anunciación.
Autor: Simone Martini. Sólo  la parte central del tríptico.
Cronología: 1333, siglo XIV. Trecento.
Localización: La obra pertenecía a la catedral de Siena, hoy forma parte de la colección de la Galería Uffizzi, Florencia.
Estilo artístico: arte Gótico. Trecento Italiano, Escuela de Siena.
 La Anunciación es la obra cumbre de Simone Martini.

Análisis



Iconografía: La escena representa el tema de la Anunciación. El Arcángel Gabriel se  aparece  a la Virgen para anunciarle que será madre de Dios.  Destaca  la expresión de sorpresa de la Virgen.

Análisis técnico:

La escena está enmarcada en una arquitectura abierta de arcos apuntados polilobulados, rematados con pináculos y gabletes, elementos de la arquitectura gótica.
La pintura se realiza en tabla, al temple y no sobre las paredes de las iglesias (ahora están recubiertas por grandes vidrieras). 


Aunque todavía hay rasgos arcaizantes de influencia bizantina, como el predominio del dorado del fondo, este cuadro demuestra que la pintura ha experimentado una gran evolución, que hay otra forma de entender el arte. Observamos un mayor realismo en las formas de los cuerpos, en  los ropajes, en la sensación de profundidad que da el suelo o el jarrón con azucenas (perspectiva lineal)

La línea,  es muy fina y precisa. El dibujo  en todas las figuras sigue un trazado curvo y en forma de “S” (línea serpentinata) que acentúa la delicadeza de la escena, no debemos olvidar que los clientes son mas refinados y exquisitos. 
Los colores son  llamativos y suntuosos, tanto los dorados del fondo como la combinación de azules y rosas, muy delicados, del Arcángel y la Virgen. El cromatismo es  rico, variado, ya no son manchas de color puro y plano, los matices de los pigmentos intentan representar luces y sombras.


 El artista intenta que las figuras sean realistas, las da movimiento (manto del arcángel) y ganan en volumen, como observamos en los pliegues de los vestidos. 


 La composición se hace más compleja:

Intenta representar   la profundidad  con el jarrón de  azucenas y con las líneas del suelo perpendiculares al fondo dorado. 
Destaca el eje de  simetría  que divide el cuadro en dos mitades casi exactas, el eje   vertical está representado por   el arco polilobulado central, la representación del cielo con los ángeles y las azucenas.


Todo es bello y delicado.
Por otra parte el tratamiento del tema cristiano es cercano, realista, la expresión es mucho más humana que divina, destaca la humildad de Gabriel al darle la noticia a la que será madre de Dios, y la postura vergonzosa de la Virgen, que recibe la noticia con timidez. La utilización del dorado por influencia bizantina, acentúa el carácter divino y sagrado.

COMENTARIO


La Anunciación de Simone Martini es una de las  pinturas góticas más delicadas y bellas. Es quizá la obra más representativa del pintor y del Trecentto Italiano.

La pintura que se desarrolla en Siena durante este periodo, se caracteriza por alejarse de aquellos aspectos que habían definido la pintura románica. Sigue siendo, eso sí, una pintura de temática religiosa pero ahora no se trata de reproducir símbolos, como ocurría en la Alta Edad Media, sino de reproducir la realidad de una forma más verdadera y creíble. Cambia por tanto  la forma de pintar. La pintura inicia un camino de experimentación que desembocará en el Renacimiento.


Las ciudades italianas y flamencas  durante esta etapa  viven un periodo de prosperidad económica, política y social,   los artistas tienen una clientela más exigente y culta. 


Durante el Trecento italiano surgen dos escuelas. La Escuela de Florencia  con Cimabue y Giotto y la Escuela de Siena con Ducio, Lorenceti o Simone Martini (uno de sus cuadros estelares, es el que estamos comentando). 
Simone Martini conoció a Giotto. Sobre él ejercerá gran influencia  las pinturas que realiza  en Asis. 
Otras obras importantes del pintor son la Maestá, retrato ecuestre de Gidoriccio da Fogliano. Ambos frescos se encuentran en el palacio público de Siena.

Otro foco pictórico del siglo XV se origina en las  ciudades flamencas, allí surgen los primitivos flamencos, pintores como el Bosco, Brueguel o los hermanos Van Eyck.
En las ciudades italianas y flamencas la pintura vive una gran revolución se independiza de la arquitectura y anuncian el esplendor artístico que se va a vivir durante el Renacimiento. Italia se convertirá en el centro europeo del nuevo movimiento artístico. 
Actualmente la Anunciación de Simone Martini se localiza en una de las mejores pinacotecas del mundo, la Galería Ufizzi en Florencia.




Tema 08 Arte GóTico Comentario De Lamina De Simone Martini from jesus ortiz

Otras obras

Majestad del Ayuntamiento de Siena (Palazzo pubblico)

Recomiendo:
A LA BÚSQUEDA DE UN NUEVO LENGUAJE PICTÓRICO (ENSEÑARTE)





Guidoriccio da Fogliano, h. 1328. Fresco. Palazzo Publico (Ayuntamiento). Siena, Italia.

Pintura Trecento (II). Simone Martini. Escuela de Siena

Condotiero G da Fogliano. Ayuntamiento Siena

Nació en Siena, Italia en 1284 y murió en Avignon en 1344.
Expresó la síntesis de la tradición oriental- "a la manera griega"- imitando los dorados bizantinos en fondos y coronas con las nuevas corrientes del gótico que llegaban de Francia a través de marfiles y miniaturas.
Fue no de los pintores más importantes del Treccento italiano y del desarrollo de la más primitiva pintura en Italia, influyendo poderosamente en el estilo gótico internacional.
Conoció la obra de Giotto.
Destaca por la delicadeza de sus composiciones, la elegancia del color y la línea sinuosa y fina.
Expresión de los sentimientos mediante gestos. Estilización de los personajes
Belleza ideal y espiritual.
Pintor de detalles, representa la riqueza de los tejidos y de las joyas muy del gusto cortesano.
Individualiza los personajes sobre fondos poco tratados.
Utiliza la perspectiva lineal representado objetos que dan profundidad y el suelo.
Técnica: emplea el temple sobre tabla y el fresco sobre pintura mural.
la obra cumbre es la Anunciación de la Galería de los Ufizzi.

Una de sus primeras obras, es la Maestá o virgen bajo palio, obra encargada para decorar  el palacio comunal de Siena. Frente a esta pintura se encuentra el Retrato ecuestre del condotiero Guidoriccio da Fogliano.

La Maestá



Laura, ¿la amada de Petrarca?


Según la leyenda, durante su estancia en Avignon, pintó el famoso retrato de Laura, la amada de su gran amigo el poeta Petrarca, pero de este cuadro, igual que de Laura, nunca se ha confirmado si era una mujer de verdad o una fabulación del poeta. Por tal motivo Laura constituye, todavía hoy, uno de los mayores enigmas de la Historia de la literatura.




18/2/16

Turismo. Trabajo de investigación




Trabajo corporativo: 2 ó 3 personas.
Presentación Prezi.
Plazo: 13 de marzo.
Pautas: entregadas en clase.
Evaluación: apartado B y C
Documentación para realizar los trabajos colaborativos.
                            




Pintura del Trecento (I). Giotto. Escuela de Florencia

Huída a Egipto, capilla Scrovegni, Giotto

CONSEJOS SOBRE LA PINTURA GÓTICA
Con respecto a la pintura del período advertir la doble corriente que genera la Italia del Trecento y los Países Bajos durante el siglo XV, así como la repercusión de estas tendencias en España. 
a)Sobre la pintura italiana del Trecento, analizar la doble dirección que representa la escuela florentina a través de Giotto y la escuela sienesa mediante Simone Martini. 

TRECENTO
GIOTTO. ESCUELA FLORENTINA

Giotto,  por P Ucello

Giotto (1267-1337) es el mejor representante de la Escuela florentina. Rompe con la tradición bizantina, "a la manera griega" e inicia el camino de la pintura moderna a la "manera latina". Inaugura un lenguaje pictórico donde triunfa la pintura mural, el volumen, la búsqueda de la perspectiva (con el paisaje, y edificios cortados que enseñan lo que ocurre dentro, la narración y la psicología humana. Las obras más destacadas se encuentran en la Basílica de Asís, narra las historias franciscanas, y en la capilla funeraria de Scroveni en la Arena (la capilla se levanto sobre las ruinas de un anfiteatro o arena) de Padua.

Otras características:
  • Aprende de su maestro Cimabue.
  • Abandona el hieratismo bizantino y se acerca al mundo clásico.
  • Predominan los temas religiosos pero tratados con mayor humanismo, realismo y cercanía, acorde con la nueva filosofía cristiana que defiende Santo Tomás.
  • Las obras más valoradas son pinturas murales al fresco.
  • Utiliza un dibujo definido pero mucho más fino y elegante que en el Románico.
  • Se preocupa por la tercera dimensión y la perspectiva: las figuras humanas las pinta en un primer plano y en segundo plano representa  paisajes y  arquitecturas para simular profundidad (aún presentan un aspecto acartonado).
  • Intenta dar volumen a los cuerpos y ropajes por medio de los pliegues.
  • Juega con la luz y los pigmentos, ya no emplea colores puros.
  • Utiliza el dorado para remarcar la divinidad (coronas o aureolas)
  • Sus colores son inconfundibles sobre todo el azul.
  • Las principales obras son: 
  • Conjunto de frescos de la capilla Scrovegni o de la Arena (aquí alcanza la plenitud): Beso de Judas, Anunciación, Visitación, Nacimiento, Adoración.
  • Ciclo de frescos de la Capilla de Asis sobre la vida de Santo Francisco: Predicación a los pájaros, expulsión de los demonios de Arezzo...
  • También pinta sobre tabla vírgenes y crucifijos, destacan la Madonna de Ognnisanti y el Cristo de Santa Mª la Novella en Florencia.
  • El gran precursor del Renacimiento y de la pintura moderna
 

Capilla Scrovegni, Padua

Capilla de San Francisco de Asís
 



 
Giotto Di Bandone from Tomás Pérez Molina


16/2/16

Retablos góticos españoles. Burgos, Toledo, Sevilla, Manresa y Sigena,

Detalle retablo de Sevilla. Antes y después de la restauración

Características

  • Los retablos son una manifestación escultórica genuinamente española aunque su origen está en los trípticos italianos y flamencos.
  • Se conciben como una portada interior
  • Tienen gran desarrollo entre el Gótico y el Barroco. 
  • Se ubican  en la parte más importante del templo, detrás del  altar mayor.
  •  La causa del desarrollo de los retablos en España se debe al deseo de embellecer el altar mayor tras el cambio en la liturgia, cuando la iglesia decide trasladar el coro del presbiterio a la nave central.
  • Cumplen una función didáctica, doctrinal, simbólica y decorativa.
  • La temática es religiosa. El repertorio iconográfico tiene que ver con la vida y la Pasión de Cristo.
  • Horror vacui
  • Los retablos se organizan a modo de libro-casillero y se estructuran tanto en horizontal como en vertical:
    • Horizontal. Sotobanco- banco o predela/ pisos/ ático.
    • Vertical. Sotobanco-banco o predela/ Calles (la central más ancha y con el tema principal)/ ático. Todas las calles están separadas por las entrecalles.
    • Algunos tienen aleros.
                                        
Los mejores ejemplos góticos se localizan en dos escuelas:
  • La escuela catalana, Son retablos pintados al temple sobre madera, del siglo XIV, reciben influencias del Trecento italiano. Destacan de los retablos de la Cofradía del Espíritu Santo en la iglesia de Santa Mª de Manresa, realizado y el retablo de La Virgen del Comendador,  Sigena, Huesca. Obras atribuidas a Pere Serra.
  • La escuela castellana, recibe influencia flamenca. Son retablos escultóricos dorados y policromados. Los mejores ejemplos son del siglo XV: 
    • El retablo Mayor de la Cartuja de Miraflores (Burgos) realizado por Gil de Siloé. 
    • Retablo de Santa María de la catedral de Sevilla de Pierre Dancart y 
    • El retablo de la Catedral de Toledo donde intervienen varios autores. 

Retablo Mayor de la Cartuja de Miraflores. Gil de Siloé


Identificación

Tipo de obra: retablo. Escultura policromada.
Función: religiosa, decorativa, pedagógica.
Autor: Gil de Siloé
Localización: Retablo Mayor de la Cartuja de Miraflores, Burgos
Cronología: finales del siglo XV
Estilo artístico: Arte Gótico.
Originalidad: el cuerpo central gira en torno a una rueda-hostia que cobija un calvario.


                               Retablo del altar mayor de la Catedral de Toledo

Temática religiosa con escenas del Nuevo Testamento.
Trabajaron varios autores por expreso deseo del cardenal Cisneros.
 Técnica: madera dorada al fuego y esculturas policromadas estofadas de tamaño natural. 
Se ejecutó a finales del XV.  Gótico Flamíjero.
El Retablo resalta  por su grandiosidad.

Consta de cinco cuerpos con variadas escenas del Nuevo Testamento y fue realizado por varios retablistas e imagineros.
.Es un retablo gótico florido, una de las últimas manifestaciones de este arte que desaparecía para dar paso al Renacimiento. Entre los arquitectos, pintores y escultores que intervinieron en esta obra maestra colectiva, estuvieron: Enrique Egas y Pedro Gumiel (diseño); Francisco de Amberes y Juan de Borgoña (estofado y policromía); Rodrigo Alemán, Felipe Vigarny, Diego Copín de Holanda y Sebastián de Almonacid (imaginería); y Petit Juan o Peti Joan (entallado y filigranas). 

El retablo cuenta con una importante estatuaria y con una magnífica y delicada filigrana de pilarcillos, agujas, doseletes, chambranas, todo obra de Petit Juan. 
Consta de sotobanco y predela; cinco calles, la del centro más ancha, más otras dos estrechas en los costados y cinco pisos cuya línea de separación no es horizontal sino escalonada. 
Los temas de la calle central de abajo a arriba son: Figura sedente de la Virgen con el Niño chapada en plata (en la predela). Sobre ella está el sagrario, una custodia gótica tallada en madera. Encima el tema de la Natividad y más arriba la Ascensión. Culmina con un monumental Calvario.



Retablo de la Catedral de Sevilla. "Una Biblia dorada". Colosalismo Escultórico. P. Dancart


                      

El retablo  es del autor  Pierre Dancart. Es  su obra maestra, a la que dedicó toda su vida, también trabajaron tallistas como el maestro Marcos y Alejo Fernández.
Iniciado en 1482 con  Isabel I y completado en 1526, durante el reinado de Carlos V muestra el esplendor de la Sevilla de esa época. 
El crecimiento de Sevilla como centro económico más importante de Castilla coincide con la construcción de la catedral, símbolo del poder de los reyes que la financiaron, de la influencia de la Iglesia Católica en la vida política de Castilla y el predominio comercial de la ciudad. 
El estilo del retablo, el mayor del mundo, es del gótico tardío (o flamígero). Abunda la ornamentación —sobre todo las formas puntiagudas de la arquitectura gótica— y el uso del dorado para cubrir la madera tallada. El retablo representa cuarenta y cinco escenas de la vida de Jesucristo. Refleja también la persistencia del estilo gótico en lugares de Europa fuera de Italia, donde las nuevas tendencias artísticas del Renacimiento se notaban ya a principios del siglo XV. En 2014 finalizó la restauración del retablo.

Más información sobre el Retablo de Sevilla

RETABLOS CATALANES

Virgen del Comendador de Sigena. Per Serra?


Retablo de La Virgen del Comendador,  Sigena, Huesca.
Obra atribuida a Pere Serra.
Técnica pintura al temple sobre tabla. 
Siglo XIV.
Escuela Catalana de  influencia italiana 
Hoy se encuentra en el Museo Nacional de  Arte de Cataluña (MNAC, Barcelona).
Estilo Gótico.


Retablo de la Cofradía del Espíritu Santo. Manresa. Pere Serra
Retablo del altar mayor de la iglesia de Santa María de Manresa.
Pintura al temple sobre tabla
Fechado en 1394, siglo XIV
Autor: Pere Serra.
Influencia del Trecento italiano.
Estilo Gótico. Escuela Catalana